关于京剧的介绍详细的（关于京剧的介绍）

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起源

以前徽商有钱，商业的成功导致文化消费欲望的高涨。随着社会经济的发展和昆山腔的兴起，他们积累阶层养家糊口，扮演斗艺角色，为乾隆入主江南努力搜集歌舞，不惜重金包装徽剧的色彩艺术，客观上为徽剧进京创造了条件。统治明清商界五百多年的徽商，以盐商闻名，尤其是黄山歙县的盐商。

随着社会经济的发展和昆山腔的兴起，江南、江北的文人、商人一直保留着家族戏班。在国外商界崭露头角的徽商纷纷效仿。长期由一位徽商扶持的戏班，被外人称为“徽班”。上许光甲班，安徽长江沿岸的地方剧种，包括古徽州，也开始兴盛起来。

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徽商在商界站稳了脚跟，与戏曲艺术的关系也越来越密切。“徽班”在新的历史条件下得到进一步发展，涌现出了一大批戏曲歌手。

农民东翻，石数千，半层京调。

如果不能掌握这些节目，就不能完成京剧舞台艺术的创作，由于京剧在形成之初就进入宫廷，所以它的发展与地方戏不同。

来劳动法，水对图，石头技术写。

扩展信息：

京剧是一种以演员为主的戏剧。京剧的历史可以说是一部演员的历史。不像歌剧，音乐和唱功是最重要的。歌剧可以说是一部作曲家的历史。多年来，京剧没有大的发展，没有流派再现。笔者认为主要是有人想改变京剧以演员为中心的历史。

把京剧四大名角和欧洲歌剧十大女高音、男高音中诞生的四大胡子相提并论，大概是很荒谬的。虽然都很会唱，但是唱法又是多么的不一样。

我认识的中国京剧院彩旦侯雄，每天早上五点左右起床，在陶然亭公园踢踢腿，吊吊嗓子，以便练习排练。对应的例子是，余叔岩失声后，在天坛脚下吊着嗓子练了十年唱功，最后又练成了嗓子。并创造了一种叫做“云遮月”的“香烟声音”。

而帕瓦罗蒂则相反，如果当晚有演出，他会先“睡懒觉”，然后在他认为“合适”的时候，在钢琴前尝试一些音阶来测试自己的声音。如果他在状态，一切都在等着表演，不能太消耗嗓子。在一些极端的情况下，你在表演当天不要对任何人说一句话。如果你不得不说话，你就用笔写。

说这些不是奇闻轶事没有意义。最后我想问一个问题，为什么所有的剧都是唱的，各方面都那么不一样？

先从练声开始吧。意大利唱法要练五个元音——啊、啊、易、爱、吐；大部分京剧有两个调，一个是啊，一个是易。如果我们有早上去公园的经历，总会遇到那些票迷，啊，啊，咦，咦。你可以面对墙壁或一滩水，不需要任何器具的帮助。这样，从低到高喊，越好。

歌剧美声唱法的练习相对来说要复杂得多。需要通过正式练习曲13531或135175421练习半音。大部分男高音都是从中央C唱到bB或者B，更好的是高音C，这种不断打磨这个音域五个元音的练习，大概会伴随一个声乐工作者一生。

当然，京剧有不同的声音。我在北大荒的时候，兵团的一个战士每天早上都要提高嗓门喊一声“洪阿姨”。我们经常在沉睡中被他可怕的“洪阿姨”的叫声惊醒，至今不知道洪阿姨是谁。

京剧全是曲调，老学员都要唱到高音E或者更高。这比高音C高了两个音，对每个人来说都不容易，所以要唱完整个咏叹调就必须有一定的高度。之所以只练“阿毅”，是因为一开一合，一开一合练这两个音，其他也在其中。

意大利歌剧演员对音质要求很高。没有好嗓子，大概副歌队就不要你了。

京剧演员的要求不一样。更重要的不是音质，而是你个人对唱段的创新和理解。声音大不大不重要，观众更需要的是歌声的魅力和个性化创造。京剧学校(高庆奎)需要一个声音，但我已经不止一次听到这些声音了。《去歌剧院》里闭眼的长辈们极力贬低过这个流派的某个著名人物，那种能润物细无声、化腐朽为神奇的唱法大受欢迎。

如青衣的周、等，他们特有的嗓音更是营造出迷人的魅力。从这个角度来说，京剧更个人化，其突出的个性化感染了大众。按照科普兰的说法，歌剧“为了欣赏歌剧院演出的歌剧，我们必须从接受它的惯例开始。”

它已经成为一种规则，也就是说，它的集体规则已经出现了。京剧当然是有规矩的，但对个人的要求肯定没那么严格。

京剧的个性化主要不是表现在声音上，更突出的是你对唱腔的处理。马上《失空斩》马派和颜派的唱法截然不同。如果把乐谱录下来，就完全不一样了。这在西方歌剧中是绝对不会发生的。十个人唱《星光灿烂》，都是《星光灿烂》。虽然待遇不同，但乐谱不会改变一个音符。

如果从大的方面来比较，京剧的历史可以说是一个演员的历史，是由那些才华横溢的演员演绎出来的。

然而，西方的歌剧恰恰相反。首先是作曲家的历史。作曲家的权威超越一切。咏叹调一旦写出来，就永远不会变。当我们谈论京剧时，我们总是谈论梅派的戏剧和马派的某某戏剧。歌剧总是和作曲家的名字有关，比如威尔第的《茶花女》，普契尼的《托斯卡》。

也可以从其他方面验证。京剧对演员的要求是“大声唱出来，打出来”。但是，我们有幸看到的西洋歌剧演员，并不能真的说是在表演，更不能说是在打斗。他们甚至不用站着唱歌。

我看过帕瓦罗蒂的《在剧院》

如在京剧中这样一定是不行的。京剧管没有作派上台唱戏的票友叫“羊毛”，大概有生人的意思。

因为京剧是一个以演员为主的剧种，所以除唱外，理当具备其他条件的越丰富越好。而歌剧中的帕瓦罗蒂在那一刻却不会遭到任何非议，所有取于音乐，音乐和唱最为重要。

在京剧中，能树立流派的京剧演员兼任了作曲家的身份。梅派的唱腔是梅兰芳与他的琴师设计的，程派更是这样。所有凡可以立派的大多是自己作曲设计的唱腔。他们完全以自己为中心而设计，表演一出戏。西洋歌剧绝不会这样，从指挥到演员都要服从于作曲家的音乐，所有的个人的东西要在音乐这个圆圈中发挥。

由此我想到了与现在有关的问题———京剧多年没有多大的发展而无流派再现的原因，有一点或许没有得到重视：就是京剧欲把以演员为中心的这种历史改变，使其更接近一个成规的西洋歌剧的集体化的东西。

把“唱念作打”中个人化的东西降到最低的程度，而格式化成规化代替了演员个人的能力的发挥。原本是一个以演员发展为史的艺术门类，突然地完全地改变了，它还怎么能发展下去。

当它以成规化来束缚这一艺术形式时，它就没有了个性，改变了原来京剧发展的轨迹，而学歌剧的作曲家的历史轨迹又没有建立起来，所以它的现状变得没有着落，就很难谈得上发展了。

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